Kopflastig. Der Podcast über Musik, Lernen & das Leben

Mein Gast heute ist Burkhard Mikolai, Gitarrist und Fachbereichsleiter für Klassenmusizieren an der Musikschule Oder-Spree in Brandenburg. Er unterrichtet seit über zwanzig Jahren komplette Schulklassen an der Gitarre, mit bis zu vierzig Kindern gleichzeitig. Ohne ausgewählte Schüler, ohne Aufnahmeprüfung, einfach die Klasse so wie sie ist.

Damit das überhaupt möglich wurde, hat er das Guitar Colour System entwickelt. Die Idee dahinter ist bestechend einfach: Nicht jede Note bekommt eine Farbe, sondern jede Saite. Dazu bekommt jeder Bund eine Zahl. Statt “spiel das G” heißt es dann “spiel die schwarze Drei”, und jedes Kind im Raum weiß sofort, was gemeint ist. Gelernt wird das über eine Geschichte von der gelben Sonne, die auf die grüne Wiese scheint.

Wir sprechen darüber, warum gute Ideen immer aus den Stunden kommen, die nicht gut liefen, wie seine berühmte Karawanen-Geschichte die erste Unterrichtsstunde trägt, und warum er jedem Jahr ein Motto gibt: das Jahr des Mutes, das Jahr des Zuhörens, das Jahr des Vertrauens.

Außerdem geht es um seinen Weg: Gitarre erst mit 13, Ausbildung in Tanz- und Unterhaltungsmusik zu DDR-Zeiten, eine elfköpfige Band in einem Berliner Hotel, in dem Bruce Springsteen übernachtete. Und darum, warum er sein gesamtes Material kostenlos ins Netz stellt, warum Puls und Hören wichtiger sind als Stücke, und weshalb er sich von Kollegen nicht wünscht, dass sie sein System nachmachen, sondern dass sie etwas Eigenes daraus entwickeln.

Alle Materialien, Noten und Apps von Burkhard: https://www.bunte-noten.de

Kapitel folgen.

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Kapitel:

00:00 Intro

00:36 Begrüßung: Was ist eigentlich Klassenmusizieren?

02:40 Was sind bunte Noten?

05:22 Die Geschichte von der gelben Sonne

08:50 Wozu Notennamen überhaupt lernen?

13:23 Gitarre erst mit 13: Burkhards Weg zur Musik

20:48 Die Elfmann-Band im Berliner Grand Hotel

23:57 Wie das Klassenmusizieren mit Bläsern begann

29:40 Der Start des ersten Gitarrenprojekts

34:55 Was er an der Förderschule gelernt hat

39:53 Warum sein Material kostenlos ist

42:08 Das Musikhaus: Fundamente statt Stücke

49:26 Die erste Stunde: Die Karawane

52:40 "Guter Unterricht ist, wenn die Kinder weitermachen wollen"

55:50 Was die Kinder am Ende spielen

1:01:48 Lässt sich das auf Erwachsene übertragen?

1:09:37 Die Joker und die Jahresmottos

1:10:35 Das Jahr des Zuhörens

1:15:32 Die Frage des letzten Gastes

1:30:15 Die Frage für den nächsten Gast: Rettet Musik die Welt?

1:43:14 Sein Wunsch: Mitstreiter finden

1:51:35 Bonusgespräch

1:57:31 Die Vision: Musik als normale Familienaktivität

2:05:08 Wie der Rest der Welt Musik lernt

2:09:49 KI, Konsum und "Wir sind die Macher"

Mein Gast heute ist Roman Sillipp, Pianist und Instrumentalpädagoge aus Wien. Als Kind klassisch ausgebildet, mit 13 über Falco zur Popmusik gekommen, danach zwanzig Jahre Berufsmusiker: Sideman, Barpianist, Keyboarder im Tonstudio und über zehn Jahre Komponist von Werbe-Jingles für McDonald's, Mastercard und andere. Mit 40 hat er noch einmal studiert und 2021 seinen Master in Popularmusik abgeschlossen.

Gleich zu Beginn demonstriert er die Erkenntnis, die seinen ganzen Unterricht trägt: Er spielt eine Mozart-Sonatine, dann dieselbe Melodie als Walzer, als Tango und als Disco-Nummer. Die Melodie bleibt gleich, nur die Begleitung ändert sich, und das Stück landet in einer völlig anderen Welt. Genau deshalb nennt er sich nicht Klavierlehrer, sondern Instrumentalpädagoge: Er zeigt nicht nur, welche Tasten man drückt, sondern warum diese Tasten so klingen.

Wir sprechen darüber, warum jedes Stück aus Melodie, Rhythmus und Begleitung besteht, wie man mit fünf Tönen die Ode an die Freude spielt, warum es bei ihm keine reinen Technikübungen gibt und weshalb er erst ab 13 Jahren unterrichtet. Außerdem: wie er sich als Jugendlicher Songs vom Radio heruntergehört hat, wie man aus drei halb gekonnten Sinatra-Songs ein Medley macht, wie sein Tonstudio Gerät für Gerät gewachsen ist und warum ihn die Rechnung 500 Euro gegen 50 Euro pro Stück zum Lehrer gemacht hat.

Und zum Schluss erzählt er, warum seine Gitarre bis heute an der Wand hängt. Diese Geschichte solltet ihr euch anhören.

Mehr über Roman: https://romansillipp.com

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Jens Schlichting ist Pianist, Komponist und Musikpädagoge aus der Region Heidelberg, begleitet als Stummfilmpianist live improvisierend und bringt in Crashkursen erwachsenen Anfängern an einem Wochenende das Klavierspielen bei.

Wir sprechen über den Satz seines Professors, der seine Sicht auf Technik komplett verändert hat: Klaviertechnik ist, wenn die Finger das tun, was die Ohren hören wollen. Jens erklärt, warum die angeblichen Lernvorteile von Kindern zum Teil ein Mythos sind und welche Trümpfe Erwachsene tatsächlich in der Hand haben.

Dann wird es praktisch: mentales Üben nach Karl Leimer, also ein Stück auswendig lernen, bevor man es zum ersten Mal spielt. Warum Variieren der Schlüssel zu stabilem Können ist und stures Wiederholen dich sogar instabil macht. Und warum Notenlesen bei so vielen hakt: Zehn Symbole auf einmal sind zu viel, absolutes Lesen bremst, und ohne Fluss trainiert man nur das Buchstabieren.

Zum Schluss verrät er seine Ob-Wie-Was-Methode gegen den inneren Schweinehund, die vermutlich praktischste Idee, die ich in diesem Podcast bisher gehört habe.

Mehr über Jens und seine Kurse: https://klavier-kurs.de

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Mein Gast heute ist Daniel "Dän" Dickopf, Gründer, Texter und Komponist der Wise Guys, die über 25 Jahre die erfolgreichste A-cappella-Band Deutschlands waren. Heute steht er mit Alte Bekannte auf der Bühne, schreibt Kinderlieder und gibt auf seinen Kanälen Einblicke ins Texten.

Der überraschendste Satz der Folge kommt früh: Dän hat nie Harmonielehre gelernt, kann bis heute keine Noten schreiben und sieht genau das als Vorteil. Wir sprechen darüber, wie er trotzdem A-cappella-Sätze arrangiert, warum die Gitarre dafür reicht und wieso das Erfinden von Nebenstimmen beim Familiensingen der Türöffner für alles war.

Dann geht es ans Handwerk: Woher Themen kommen, warum es fast kein Tabuthema gibt, wieso der Refrain wie eine Schlagzeile funktionieren muss und wie ein Reimlexikon ganze Songs inhaltlich umlenken kann. Dän erzählt, warum Deadlines ihm helfen, weshalb Couch und Fernseher seine größten Feinde sind und was Kreativ-Auszeiten im Ferienhaus bringen.

Außerdem: Warum das erste Vorspielen eines eigenen Songs ein Entblößen ist, wie ein ehrlicher Kollege einen vermeintlich lustigen Song in die Tonne schickte, warum man Ideen nie löschen sollte und was er Leuten rät, die gerade einfach keine Lust zum Schreiben haben.

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Mein Gast heute ist André Tolba, den viele als Adriano Batolba kennen: Gitarrist, Produzent und musikalischer Kopf hinter Dick Brave and the Backbeats, dem Rock'n'Roll-Projekt von Sascha, das 2004 auf Platz 1 der Charts landete. Er spielt mit Peter Kraus und mit Albie Donnelly's Supercharge, hat Boppin' B produziert und arbeitet gerade an seiner eigenen Blues-Platte.

Wir sprechen darüber, wie er mehrere Bands, Produktionen und eigenes Material unter einen Hut bekommt, warum er Social Media am liebsten abschaffen würde und wie alles anfing: mit der Single-Sammlung seiner verstorbenen Mutter, einer zufällig aufgenommenen Elvis-Doku und einem Kumpel, der nach einer einzigen Gitarrenstunde "Mein Hut, der hat drei Ecken" spielen konnte.

Der Wendepunkt kam mit 14, als Rick Abao, Berufsmusiker aus New Orleans, sein Lehrer und Mentor wurde. Von ihm stammt auch der Satz, der sich durch Andrés ganze Laufbahn zieht: Success is when preparation meets opportunity. Wir reden über Jazzstudium in Hilversum, was eine Hochschule kann und was nicht, welche Soft Skills kein Übezimmer beibringt und was man konkret üben sollte, wenn man Rock'n'Roll-Gitarre spielen will.

Und dann die Dick-Brave-Geschichte: Wie aus einem einmaligen Gag auf einer Weihnachtsfeier ein Nummer-1-Album wurde, warum tanzende Eisbären auf N24 daran maßgeblich beteiligt waren und weshalb wirklich niemand das geplant hatte. Zum Schluss geht es um Vintage-Amps, Streaming und die Frage des letzten Gastes: Wie lässt sich KI-Kunst moralisch rechtfertigen?

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