Leinwandlegenden - Der Filmpodcast

#022 "Independence Day" von Roland Emmerich
Leinwandlegenden über Independence Day: Roland Emmerichs Alien-Invasion, Will Smiths Durchbruch, 90er-Jahre-Blockbusterkino und die Geburt des modernen Eventfilms.

Am 02. Juli kommen sie an.
Am 03. Juli legen sie unsere Welt in Schutt & Asche.
Am 04. Juli feiern wir unseren Independence Day!

In dieser Folge von Leinwandlegenden nehmen wir uns einen der größten Science-Fiction-Blockbuster der 90er Jahre vor: Independence Day von Roland Emmerich, der am Tag der Veröffentlichung dieser Folge auch noch 30jähriges Jubiläum feiert!
Kaum ein Film steht so sehr für das Eventkino der späten Neunziger wie dieser gigantische Alien-Invasionsfilm aus dem Jahr 1996. Riesige Raumschiffe über den Metropolen der Welt, die ikonische Zerstörung des Weißen Hauses, pathetische Reden, explodierende Wahrzeichen und Will Smith auf dem Weg zum globalen Superstar: Independence Day ist Popcornkino im maximalen Breitbildmodus.
Wir sprechen darüber, warum der Film damals so eingeschlagen hat, wie clever die Marketingkampagne rund um den legendären Super-Bowl-Spot funktionierte und weshalb Roland Emmerich mit seiner Mischung aus handgebauten Modellen, Miniaturen und frühen digitalen Effekten eine visuelle Wucht erzeugte, die vielen modernen CGI-Blockbustern heute fehlt.
Natürlich schauen wir auch genauer hin: Wie plausibel ist diese außerirdische Invasion eigentlich? Was würden Raumschiffe dieser Größe in der Erdatmosphäre wirklich anrichten? Und warum funktioniert der Film trotz aller physikalischen Absurditäten, erzählerischen Vereinfachungen und naiven Erlösungsfantasien bis heute so erstaunlich gut?
Eine ausführliche, nostalgische und gleichzeitig kritische Filmanalyse über Independence Day, Roland Emmerichs Blockbusterkino, das Kinojahr 1996, Will Smiths Durchbruch und die Frage, warum dieser Film auch Jahrzehnte später noch immer eine so gewaltige Faszination ausübt.

#021 "The Crow" von Alex Proyas
"Es kann ja nicht immer regnen."

In dieser Folge der Leinwandlegenden geht es um The Crow (1994), den legendären Gothic-Kultfilm von Alex Proyas nach dem Comic von James O’Barr, und um Brandon Lee als Eric Draven.
Wir analysieren die Handlung von The Crow, das Ende, die düstere Bildsprache, den berühmten Soundtrack und die Frage, warum dieser Film bis heute als eine der stilprägendsten Comicverfilmungen der 90er Jahre gilt.
Im Mittelpunkt steht Eric Draven, der an der Devil’s Night in einem albtraumhaften Detroit aus dem Tod zurückkehrt, um den Mord an seiner Verlobten Shelly und sich selbst zu rächen:
Wir sprechen über die eigenwillige Mischung aus Dark Fantasy, Neo-Noir, Gothic Romance und Rachefilm, über die ikonische Kamera-Arbeit von Dariusz Wolski, die künstlich erschaffene Großstadt, die Symbolik der Krähe und die emotionale Wucht des Films zwischen Liebe, Trauer, Verlust und Vergeltung.
Natürlich müssen wir auch über die reale Tragödie hinter dem Film sprechen, dem Unfalltod von Brandon Lee am Set von The Crow am 31. März 1993.
Wir beleuchten, wie es dazu kam, wie der Film mit Stuntdoubles, frühen digitalen Gesichtseffekten und Drehbuchanpassungen fertiggestellt wurde und warum diese Geschichte den Mythos von The Crow bis heute prägt.
Außerdem geht es um die Comicvorlage von James O’Barr, die Unterschiede zwischen Comic und Film, die Figuren Top Dollar, Sarah, Shelly, Officer Albrecht, Funboy, Tin Tin und T-Bird sowie um den legendären The-Crow-Soundtrack mit The Cure, Nine Inch Nails, Stone Temple Pilots und Graeme Revell.
Falls Du Dich für The Crow als Film, als Mythos und als tragisches Kapitel der Filmgeschichte interessiert, bekommst hier wie gewohnt eine Analyse des Werks selbst, aber auch einen Einblick auf die außergewöhnlichen Umstände seiner Entstehung.

#020 "Carlito's Way" von Brian De Palma

Carlito's Way aus dem Jahr 1993 ist Brian De Palmas elegische Gangster-Tragödie mit Al Pacino in der Titelrolle und Sean Penn als zwielichtigem Anwalt David Kleinfeld.

In dieser Folge der Leinwandlegenden fragen wir, warum der Film einerseits als ein Höhepunkt des Gangsterkinos gilt, andererseits weniger bekannt ist als "Der Pate": Wie verhält er sich zu "Scarface" und warum scheitert Carlito ausgerechnet an seinen Tugenden?

Wir zeigen, wie Carlito's Way und "Scarface" zusammenhängen und worin sie sich bewusst unterscheiden.
Wir erklären, warum Carlito an seiner Loyalität und seiner Milde zugrunde geht statt an seiner Gier.
Wir sehen genau hin, wie Score, Kamera und Farbgebung den elegischen Ton tragen.
Wir erzählen die Produktionsgeschichte von der von realen Personen inspirierten Vorlage bis zu Sean Penns Verwandlung.
Wir diskutieren darüber, ob der Film so viel Einsicht bietet, wie er behauptet.
Der ehemalige Drogenboss Carlito Brigante kommt 1975 nach fünf Jahren Haft über einen Verfahrensfehler frei und schwört, sich aus dem Verbrechen zurückzuziehen, um mit seiner alten Liebe Gail auf den Bahamas neu anzufangen. Aus Loyalität zu seinem Anwalt Kleinfeld lässt er sich in eine tödliche Spirale ziehen, die ihn am Anfang und am Ende auf dem Bahnhof das Leben kostet.
Drei Dinge tragen den Ruf des Films. Erstens liefert Pacino zwischen seinen lauten Paraderollen eine ungewöhnlich verinnerlichte Leistung, während Sean Penn als Kleinfeld eine der großen Nebenrollen des Jahrzehnts spielt.
Zweitens erzählt der Film die Tragödie eines Mannes, den sein eigener Ehrenkodex tötet, weil seine Gnade und seine Treue die Entscheidungen sind, die ihn das Leben kosten.
Drittens steht am Ende eine lange Wirkungsgeschichte, von der Unterschätzung im Jahr 1993 bis zur späten Würdigung durch die Cahiers du cinéma.
Beide Filme stammen vom selben Duo aus Regisseur und Hauptdarsteller, zielen aber in entgegengesetzte Richtungen. "Scarface" erzählt einen Aufstieg zur Macht in greller Miami-Sonne, Carlito's Way den gescheiterten Ausstieg im Schatten des New Yorker Kriminalkinos. Tony Montana will immer mehr, Carlito will nur noch heraus, und Pacino spielt die Figur entsprechend zurückgenommen.
Der Film arbeitet mit zwei Musikebenen, die gegeneinander laufen. Die diegetische Musik, also der Klang innerhalb der Filmwelt, kommt von Musical Supervisor Jellybean Benitez als Salsa und Merengue und verankert das Nuyorican-Milieu von 1975. Darüber legt Patrick Doyle einen romantischen Orchesterscore, der Carlito wie eine Opernfigur betrauert, lange bevor er stirbt.
Bemerkenswert ist dabei, dass der Film das Gangsterleben eigentlich entzaubern wollte, seine romantische Form ihm aber gerade einen tragischen Glanz verleiht.
Die Vorlage stammt von Edwin Torres, einem amtierenden New Yorker Strafrichter, was die Milieukenntnis erklärt. Sean Penn verwandelte sich für Kleinfeld bis zur Unkenntlichkeit und reizte damit sogar eine Klagedrohung von Staranwalt Alan Dershowitz.
Das alles und natürlich noch viel mehr diskutieren wir in Folge 20 und falls es Dir heute noch niemand gesagt hat:

You are so beautiful!

Mit "Die Rückkehr der Jedi-Ritter" (Return of the Jedi, 1983) beenden wir die einflussreichste Filmtrilogie der Popkultur ... mit ihrem schwächsten Teil ... oder?
In Folge 019 von Leinwandlegenden, dem Podcast über Klassiker der Filmgeschichte, untersuchen wir, warum Richard Marquands Star-Wars-Finale eine Leinwandlegende mit sagen wir mal: geliehenem Glanz ist. Der Film zehrt vom Standing seiner Vorgänger und wird von wenigen überragenden Momenten getragen, allen voran der Erlösung Anakin Skywalkers im Thronsaal des zweiten Todessterns.
Luke Skywalker und seine Verbündeten befreien Han Solo aus der Gewalt des Verbrecherbosses Jabba the Hutt auf Tatooine. Währenddessen baut das Imperium heimlich einen zweiten, deutlich größeren Todesstern, dessen Schutzschild vom Waldmond Endor aus erzeugt wird. Die Rebellion greift Raumstation und Schildgenerator gleichzeitig an, unterstützt von den Ewoks. Im Zentrum steht jedoch Lukes Konfrontation mit Darth Vader und dem Imperator, bei der sich das Schicksal der Galaxis entscheidet.
Der Jedi, der im Wortsinn zurückkehrt und wiederhergestellt wird, ist Anakin Skywalker: Der Titel benennt damit verdeckt Vader als das eigentliche Subjekt des Films. Luke ist der Protagonist, Vader ist das Thema. Lukes heroischer Gipfel ist ausgerechnet eine Unterlassung, denn er wirft das Lichtschwert weg und verweigert den Konflikt, den ihm Freund und Feind gleichermaßen aufzwingen wollen. Ursprünglich sollte der Film bekanntlich Revenge of the Jedi heißen, ein Titel, der dem Wesen der Jedi widerspricht und auch nicht zu dem neuen Star Trek Film passen sollte.
Wir starten mit der frühen Drehbuchfassung, in der die Rebellion die imperiale Hauptstadt Had Abbadon angreift, einen vollständig bebauten Stadtplaneten, den zwei im Bau befindliche Todessterne umkreisen. Der Thronsaal des Imperators liegt im Inneren des Planeten an einem Lavasee, an dem das Duell zwischen Luke und Vader stattfindet. Das Konzept scheiterten an der Tricktechnik der frühen Achtzigerjahre, verschwanden aber nie ganz: Der Lavasee wurde zwei Jahrzehnte später zur Grundlage für Mustafar und aus Had Abbadon wurde Coruscant.
Die Folge taucht tief in die Produktionsgeschichte ein. Jabba the Hutt war mit drei Monaten Bauzeit, rund 900 Kilogramm Gewicht und Kosten von etwa 500.000 Dollar die aufwendigste Puppe ihrer Zeit, gespielt von bis zu sieben Personen gleichzeitig. Der Rancor war keine Stop-Motion-Figur, sondern eine Stabpuppe, die mit hoher Bildrate gefilmt wurde, die Speeder-Verfolgungsjagd entstand, indem Steadicam-Erfinder Garrett Brown mit weniger als einem Bild pro Sekunde durch einen Mammutbaumwald ging. Und die Raumschlacht über Endor enthält mit der Einstellung SB19 die bis dahin komplexeste Trickaufnahme der Filmgeschichte, zusammengesetzt aus 170 Filmrollen und 63 Raumschiffen, belichtet ohne jede Sichtkontrolle.
Wir prüfen den verbreiteten Vorwurf, die Ewoks seien reine Merchandising-Produkte (Spoiler: Kann man das auch anders sehen?): Lucas selbst begründete sie mit einer Konsistenzfrage rund um Chewbacca, dessen Spezies sich nicht mehr glaubwürdig als primitives Volk darstellen ließ. Zusätzlich beleuchten wir die Ewok-Sprache, die Sounddesigner Ben Burtt aus Kalmückisch und Tibetisch entwickelte, inklusive echter buddhistischer Liturgie im fertigen Film.
Und wir sprechen über die Ehekrise zwischen George und Marcia Lucas während der Produktion. Marcia Lucas galt über Jahre als das emotionale Korrektiv ihres Mannes: Ihre schwindende Stimme im Schneideraum lässt sich an der zerfaserten Struktur des Films ablesen, vom überlangen Jabba-Prolog bis zum tonalen Bruch zwischen dem düsteren Thronsaal-Duell und den verspielten Ewok-Sequenzen.
Die Regiesuche, bei der David Lynch, David Cronenberg und Paul Verhoeven absagten, der Gilden-Streit um den Vorspann, der Lucas eine Viertelmillion Dollar kostete und ihn zum unabhängigen Filmemacher machte, der Tarntitel Blue Harvest sowie Budget und Einspielergebnis im historischen Vergleich.

#018 Rocky II
Silvester Stallones Fortsetzung seines Boxerdramas rund um Rocky Balboa (1979): Analyse, Hintergrund & filmhistorische Einordnung
"Hey yo, Mick, what do I got to chase a chicken for?"
In Folge 18 der Leinwandlegenden sprechen wir über Rocky II, beziehungsweise Rocky 2, Sylvester Stallones Fortsetzung seines Oscar-prämierten Underdog-Klassikers.
Der Film von 1979 wird oft als bloßer Abklatsch des ersten Teils abgetan, aber ist das wirklich so? Spoiler-Alarm: Jein. Natürlich ist er strukturell der gleiche Film, aber er erzählt nicht einfach nur vom Rückkampf zwischen Rocky Balboa und Apollo Creed, sondern stellt eine viel interessantere Frage: Was passiert eigentlich nach dem großen Moment? Rocky hat im ersten Teil sportlich verloren, aber moralisch gewonnen, in Rocky II muss er nun herausfinden, ob man von dem Ruhm und einem einmaligen Triumph auch leben kann.
Wir sprechen über die autobiographischen Teile, die Sylvester Stallone als Drehbuchautor, Regisseur und Hauptdarsteller in die Story hat einfließen lassen, und schauen auf Carl Weathers als Apollo Creed, Talia Shire als Adrian, Burgess Meredith als Mickey und Bill Contis einzigartige Musik. Dabei geht es natürlich auch um Philadelphia, Trainingsmontagen, die berühmten Stufen des Art Museum, den Mythos des Underdogs und eben die Frage, ob diese Fortsetzung nun mehr ist als eine bloße Wiederholung von Rocky.
Denn Rocky II handelt von Erfolg als Belastung: Rocky ist plötzlich bekannt, bekommt Werbeangebote, kauft ein Haus, gründet eine Familie und merkt trotzdem, dass er außerhalb des Rings kaum einen Platz findet, sein Sieg im Ring sagt ihm weit weniger als erhofft, wer er ist.
Der Werbe-Dreh demütigt ihn und normale Arbeit bleibt ihm verschlossen, aber auch Apollo Creed wird selbst zum Gefangenen seines Images: Er hat gewonnen, aber nicht überzeugt und so wird der Rückkampf für beide zu einem Kampf gegen die öffentliche Wahrnehmung und zu einer Frage über Identität.
Natürlich sprechen wir auch über die Entstehung des Films: Stallones zahlreiche Verletzungen, der echte Härte in den Boxszenen, die Verbindung zu Muhammad Ali und Chuck Wepner, Roberto Durán, den Wechsel vom rauen New-Hollywood-Gefühl des ersten Films zu einer glatteren Hollywood-Fortsetzung und darüber, warum der finale Kampf emotional zwar funktioniert, mit echtem Boxen aber nur sehr wenig zu tun hat.
Ist diese Leinwandlegende denn nun eine unterschätzte Fortsetzung über den Preis des Erfolgs oder doch nur Rocky II: Das finden wir im Ring heraus!