Studiosofa by Sound&Recording-Magazin

Im zweiten Teil gehen wir der Frage weiter nach: Was macht Synthesizer zur Legende – und wo hört man den Unterschied wirklich?
Wir vergleichen Hardware und Software direkt miteinander:
Korg PS-3300 (Original vs. Plug-in), Elka Synthex Stereo-Architektur, Minimoog-Charakter, Juno-60-Chorus und die Modulationsmatrix des Oberheim Matrix 12.
Es geht um Feedback-Schaltungen, analoge Nichtlinearitäten, Stereo-Breite, MIDI-Integration und die physikalischen Grenzen digitaler Simulation.
Ein technischer, aber musikalischer Deep Dive für Produzenten, Sounddesigner und alle, die Synthesizer nicht als Preset-Maschinen, sondern als Instrumente verstehen.
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Wie wichtig ist Raumakustik wirklich – und warum bringt dich dein Studio beim Mixing manchmal in die Irre?
In dieser Episode sprechen wir mit Lukas Rimbach und Paul Linke von GIK Acoustics über die größten Missverständnisse rund um Raumakustik, typische Probleme in Home- und Projektstudios und darüber, wie man sie praxisnah in den Griff bekommt.
In „3 Fragen an…“ bekommst du einen kompakten Einblick in die wichtigsten Themen der Raumakustik für Tonstudios.
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Was macht Synthesizer zur Legende? Warum klingt ein Minimoog bis heute anders als seine Software-Emulation? Weshalb hat der Juno 60 einen Sweet Spot, der sich nicht programmieren lässt? Und warum ist der Yamaha CS-80 eher ein Performance-Instrument als ein klassischer Synth?
In Teil 1 unseres Gesprächs mit Michael Soltau (Filmmusik u. a. Notruf Hafenkante) und Stephan Bobinger vom Synthesizer Studio Berlin geht es um analoge Synthesizer als echte Instrumente. Wir sprechen über Haptik, subtraktive Synthese, musikalische Entscheidungsprozesse und darüber, warum Hardware das Denken verändert.
Mit dabei: Minimoog, Juno 60, Oberheim Matrix 12 und Korg PS-3300 – und die Frage, warum manche Instrumente Jahrzehnte überdauern.
Teil 2 mit direkten Hardware-vs.-Software-Klangvergleichen erscheint in der nächsten Folge!
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Vom Allrounder zum Spezialisten – und warum genau das der Schlüssel zu einem erfolgreichen Studio sein kann.
In dieser Episode sprechen wir mit Andreas Mayer vom Audiobloom Studio darüber, wie er den Schritt vom Vollzeitlehrer in die Selbstständigkeit gewagt hat – und warum es nicht gereicht hat, einfach „alles anzubieten“. Stattdessen hat er sein Studio konsequent neu ausgerichtet: weg vom Bauchladen, hin zu einer klaren künstlerischen Vision.
Heute produziert Andreas vor allem Singer/Songwriter im Bereich Akustik-Pop und Folk – und begleitet sie vom ersten Songwriting bis zur fertigen, release-bereiten Produktion. Dabei geht es nicht nur um Recording und Mixing, sondern um ein ganzheitliches Erlebnis: Künstler reisen an, leben für ein paar Tage im Studio und arbeiten gemeinsam mit eingespielten Session-Musikern an ihren Songs.
Wir sprechen über den Weg dahin, die Rolle von Spezialisierung, den Aufbau eines funktionierenden Netzwerks – und warum Erfolg im Studio nichts ist, das einem einfach zufällt.
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Warum klingen viele Produktionen trotz viel Aufwand immer noch wie Demos – und was unterscheidet sie wirklich von Songs, die auf internationalem Level funktionieren?
Genau darüber spreche ich heute mit Dom Rivinius, der unter anderem an Songs für Taylor Swift, Eminem und Alicia Keys gearbeitet hat.
Wir gehen drei zentrale Fragen durch, die dir helfen zu verstehen, wie du deine eigenen Songs auf ein kommerzielles Level bringen kannst.

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